Календарь. Эрмитаж

Подробности

Создано 16.04.2020 19:09

Обновлено 16.04.2020 19:09

Просмотров: 5194

18 мая – международный день музеев.

255 лет со дня основания эрмитажа

     Ежегодно, 18 мая, музейные работники всего мира отмечают свой профессиональный праздник – Международный день музеев (International Museum Day). Этот праздник появился в календаре в 1977 году, когда на очередном заседании международного совета музеев ИКОМ (International Council of Museum, ICOM) , было принято предложение российской организации об учреждении этого культурного праздника. С 1978 года Международный день музеев, стали отмечать более, чем в 150 странах.

     По определению ИКОМ, музеи являются институтами на службе у общества и его развития. А сам ИКОМ, созданный в 1946 году, - всемирная организация, представляющая музеи и профессионалов музейного дела. Деятельность ИКОМ, направлена на охрану и популяризацию природного и культурного наследия - прошлого и будущего, материального и нематериального. Сегодня в этой организации 37 тысяч членов из более, чем 140 стран мира.

     В 1992 году совет ICOM, который официально занимается организацией Международного дня музеев, предложил проводить событие на определённую тематику. С тех пор каждый год у Международного дня музеев своя тема, и Международный совет музеев всегда делает обзор связанных с данной темой мероприятий, делая их доступными для всех.

     Ежегодно событие становилось всё более и более популярным. В 2007 году, то есть спустя ровно 30 лет, в проведении Международного дня музеев принимает участие 70 стран. Темой того года была выбрана «Все мы в ответе за мировое наследие» («Todos somos responsables del patrimonio mundial»).

А вот в 2015 году в мероприятии приняли участие более 35 тысяч музеев из 145 стран мира!

В этом году исполняется 255 лет со дня основания Российского Государственного музея Эрмитаж, который находится в городе Санкт-Петербурге.

     Государственный музей Эрмитаж входит в двадцать самых посещаемых художественных музеев мира и обладает одной из самых богатых коллекций произведений искусства и памятников мировой культуры. Ведь в коллекции Эрмитажа, более 3 миллионов экспонатов. Подсчитали, что если потратить на каждый из них, хотя бы минуту, то все можно увидеть за 13 лет. Даже для того, чтобы обойти все залы, не останавливаясь у витрин, потребуется 5 часов.

     Годом основания Эрмитажа принято считать 1764 год, когда императрица Екатерина II приобрела первую крупную коллекцию картин. День своего основания музей ежегодно празднует 7 декабря ― в День святой Екатерины. Но лишь 17 февраля 1852 года состоялось торжественное открытие Нового Эрмитажа для публики, с тех пор прошло 165 лет.

В 1754 г. императрица Елизавета Петровна утвердила проект новой резиденции, предложенный ведущим архитектором русского барокко Бартоломео Франческо Растрелли. Строительство дворца продолжалось долгих восемь лет, которые пришлись на закат царствования Елизаветы Петровны и краткое правление Петра III. Осенью 1763 г. Екатерина II, возвратившись из Москвы в Петербург после коронационных торжеств, становится полновластной хозяйкой Зимнего дворца. Она же потребовала внести изменения в первоначальный проект в соответствии с новой архитектурной модой ― стилем классицизм.

По заказу Екатерины II были построены здания Малого и Большого Эрмитажей, возведен Эрмитажный театр, и сложился тот неповторимый ансамбль дворцовых зданий, в которых ныне располагается музей «Государственный Эрмитаж». В 1764 г. Екатерина II приобрела коллекцию, собранную берлинским купцом И.Э. Гоцковским для прусского короля Фридриха II, который был вынужден отказаться от покупки из-за Семилетней войны, принесшей Пруссии поражение. Собрание отличалось неоднородным художественным уровнем, так как И.Э. Гоцковский не обладал серьезными познаниями в искусстве. Оно насчитывало 225 картин, преимущественно кисти фламандских и голландских мастеров, наряду с несколькими произведениями итальянских художников XVII в. Среди лучших в коллекции ― «Портрет молодого человека с перчаткой в руке» Франса Хальса и «Гуляки» Яна Стена. Но именно эта коллекция легла в основу будущего грандиозного музея и уже к концу правления Екатерины II Эрмитаж стал одним из лучших музеев Европы.

Официальное открытие

До середины XIX века Эрмитаж полностью соответствовал своему названию (фр. Ermitage — уединенное место, приют отшельника), поскольку посещать музей могли лишь избранные. Допуск публики производился ежедневно по билетам, выдававшимся хранителем. А. С. Пушкин смог получить пропуск только благодаря рекомендации В. Жуковского, служившего наставником у сына императора. Эрмитаж был открыт для публики при императоре Николае I в 1852 году в специально построенном для этой цели здании Нового Эрмитажа. Что примечательно, посещение для публики было бесплатным.

     После падения императорской власти Эрмитаж претерпел существенные преобразования. Музей как приобрел множество бесценных экспонатов, так и потерял немало. Например, непоправимый урон собранию нанесли распродажи в 1929-34 годах, в результате которых 48 шедевров навсегда покинули Россию. Эрмитаж лишился единственного произведения Ван Эйка, лучших вещей Рафаэля, Боттичелли, Хальса и ряда других старых мастеров.

     Во время Великой Отечественной войны основная часть собрания Эрмитажа (более двух миллионов единиц) была эвакуирована на Урал. Подвалы зданий Эрмитажа превратились в бомбоубежища, и как музей он не работал. Однако сотрудники Эрмитажа продолжали вести научную работу и даже устраивать лекции по искусствоведению. Еще до окончания войны в залах музея начались восстановительные работы, а вскоре после победы в Ленинград вернулись все эвакуированные культурные ценности, и Эрмитаж был снова открыт для посетителей. Ни один экспонат не был утерян за время войны, и лишь небольшую их часть потребовалось реставрировать.

   В 2014 году, в год 250-летия со дня своего основания Эрмитаж открыл новые музейные пространства: Восточное крыло Главного штаба, выставочные залы Малого Эрмитажа, Запасной дом и, наконец, новые очереди Реставрационно-хранительского центра в Старой деревне. Эти пространства были заполнены к празднику новыми экспозициями, выставками и лабораториями. В год праздника к эрмитажным пространствам добавилось и здание Биржи на Васильевском острове. В XXI веке музей стал открывать представительства за рубежом. Сейчас действуют центры-спутники в Амстердаме, Казани, Венеции и Выборге и активно готовятся новые музейные пространства в Омске, Москве, Барселоне, Екатеринбурге и Владивостоке.

     Экспозиция музея показывает развитие мирового искусства с каменного века до конца XX столетия. Пять зданий, связанных друг с другом на Дворцовой набережной в Санкт-Петербурге, составляют музейный комплекс Эрмитажа: Зимний дворец, Малый Эрмитаж, Большой Эрмитаж, Новый Эрмитаж, Эрмитажный театр. Всего открыто для посещения 365 залов. Также в комплекс зданий Государственного Эрмитажа включены служебные постройки: Запасной дом Зимнего дворца и Эрмитажный гараж. Государственный Эрмитаж обладает коллекцией, насчитывающей около трех миллионов произведений искусства и памятников мировой культуры. В ее составе – живопись, графика, скульптура и предметы прикладного искусства, археологические находки и нумизматический материал. И нет ни одного посетителя, который не нашел бы в музее что – либо интересное именно ему и не остался бы равнодушным!

Автор: Руденко Н.Н.

Календарь. Сезанн

Подробности

Создано 16.04.2020 19:10

Обновлено 16.04.2020 19:10

Просмотров: 5287

СЕЗАНН ПОЛЬ (1839-1906)

     В январе 2019 года исполнилось 180 лет, со дня рождения выдающегося художника второй половины XIX века,- Поля Сезанна. Поль Сезанн родился 19 января 1839 года в небольшом городке на юге Франции.

Отец будущего художника, был бизнесменом и банкиром. 
     Поль рос очень воспитанным ребенком, неплохо учился. Одного из его ближайших школьных друзей звали Эмилем Золя, ему предстояло стать известнейшим писателем. В 1858 году Сезанн начал ходить в местную школу рисования. Однако его властный отец, не желавший видеть своего сына художником, настоял на том, чтобы Поль обучался праву. Увидев, насколько неохотно тот подчиняется его воле, отец все-таки отпустил его в Париж изучать живопись и даже назначил ему скромное содержание. Это произошло в 1861 году, когда Полю было 22 года. 
     В Париже Сезанн стал заниматься в Академии Сюиса (названной так по фамилии основателя), куда мог поступить каждый, заплатив небольшой взнос за натуру и накладные расходы. В то время рисунки Сезанна были настолько же энергичными, насколько неуклюжими, - они не раз становились объектом насмешек со стороны других начинающих художников. 
Поль держался очень застенчиво и ни с кем не заводил близкого знакомства. По счастью, его талант сумел рассмотреть Камиль Писсарро, один из «отцов» импрессионизма.      

   Томясь банковской службой, Сезанн вскоре вернулся к своей мечте - стать художником. В ноябре 1862 года - он снова в Париже. Чтобы успокоить отца, Поль предпринял попытку поступить в престижную Школу изящных искусств, но, провалившись, вернулся в Академию Сюиса. Спустя год он предложил несколько своих картин для официальной выставки в Салоне - все они были отвергнуты. Эта ситуация с грустным постоянством повторялась до 1882 года, когда одна из картин Сезанна все же попала в Салон. 

     Произведения Сезанна несут на себе отпечаток внутренней жизни художника. Они наполнены внутренней энергией притяжения и отталкивания. Противоречия были изначально свойственны и психическому миру художника, и его художественным устремлениям. Уверенный в своей гениальности, Сезанн тем не менее был вечно одержим страхом того, что не найдет точных средств выражения того, что он видел и хотел выразить на картине средствами живописи. Он вечно твердил о неспособности «осуществить» собственное видение, всё время сомневался в том, что смог это сделать, и каждая новая картина становилась и опровержением, и подтверждением этого.

     Сезанн принял участие в первой (1874) и третьей (1877) выставках импрессионистов. У художника появились первые поклонники, и среди них страстный коллекционер Виктор Шоке, который со временем собрал в своей коллекции 32 картины художника. 
     Однако, за его работы платили сущие копейки, подступила бедность. В это трудное время Сезанну подставил дружеское плечо Золя, уже ставший преуспевающим романистом. 
     В 1886 году эта дружба кончилась резким разрывом. Золя опубликовал роман «Творчество», главный герой которого, художник-неудачник, был списан с Сезанна. С тех пор Сезанн и Золя никогда больше не разговаривали и не виделись друг с другом. 
Когда художнику было 47 лет, умер его отец, оставив Полю наследство. Сезанн наконец-то получил возможность, не заботясь о хлебе насущном,

     Последние 20 лет жизни, Сезанн - прежде всего, художник. 
Ничто больше его не отвлекало от искусства.

     Работы Сезанна время от времени выставлялись в Париже и других городах, но об истинном признании, какого он заслуживал, говорить не приходилось до 1895 года, когда молодой коллекционер Амбруаз Воллар в своей парижской галерее организовал большую персональную выставку Сезанна (около 150 работ). На обычную публику эта выставка не произвела особого впечатления, однако увиденное потрясло нескольких молодых художников. В их среде Сезанн сразу же стал культовой фигурой.

В 1906 году Сезанн работал на природе и попал под сильный дождь, простудился и умер от воспаления легких.

      Художественное наследие Сезанна составляет более 800 работ маслом, не считая акварелей и других произведений. Никто не может подсчитать количества работ, уничтоженных, как несовершенные, самим художником за годы своего долгого творческого пути.

     Всю свою жизнь Сезанн пытался примирить современность с классикой, в результате чего создал собственный большой стиль. Именно плодотворные попытки обеспечили художнику достойное место в истории живописи. С его смертью "сезаннизм" забылся, но послужил толчком к развитию новых, ещё не изобретенных направлений.

     Самой выдающейся работой 1890-х – 1900-х стала серия картин «игроки в карты». Он повторял этот сюжет неоднократно с разным количеством игроков, причём на троих из них была изображена одна и та же парочка. Глядя на эти картины создаётся ощущение, что Сезанн наконец обрёл внутри себя душевный покой и переборол сомнения. В 2012 году одна из картин серии была продана на закрытом аукционе за 250 миллионов долларов, став самым дорогим полотном в истории.

Статья подготовлена преподавателем Руденко Н.Н.

Календарь. Перов

Подробности

Создано 16.04.2020 19:11

Обновлено 16.04.2020 19:11

Просмотров: 5388

Василий Григорьевич Перов

     21 декабря по старому стилю или 2 января по новому, исполнится  185 лет со дня рождения великого русского художника Василия Григорьевича Перова.

      Педагоги и учащиеся школы  уже сегодня  готовятся к юбилею великого живописца.

   Главным событием в череде юбилейных мероприятий, безусловно, станет  выставка  детского и юношеского  художественного творчества «Рождественская-2019», посвящена выставка творчеству В.Г. Перова.

     Выставка «Рождественская» - традиционное мероприятие с многолетней историей,  проводится среди учащихся художественного отделения школы.

     Также, для учащихся 5 класса, отделения ИЗО, в рамках календарно-тематического плана будут проведены тематические уроки, которые  в полной мере позволят    узнать    о жизни и творчестве русского живописца Василия Григорьевича Перова. 

     В Детской школе искусств, станицы Ессентукской, проведена работа по разработке информационного стенда, в  демонстрационном материале которого  представлены репродукции картин одного   из лучших русских живописцев новейшего времени,  истории создания, содержание и живописные особенности представленных полотен.   Интересные факты из жизни выдающегося русского художника помогут ребятам и взрослым,  посмотреть на гения  с другой стороны.  Истории успеха великих людей как ничто способны мотивировать и вдохновлять на достижение целей.

     Великий русский живописец Василий Григорьевич Перов родился 2 января 1834 года (21 декабря 1833 г. с.с.,) в Тобольске. Он был незаконнорожденным сыном губернского прокурора барона Георгия Карловича  Криденера и уроженки Тобольска Акулины Ивановой. Несмотря на то, что вскоре после рождения мальчика его родители обвенчались, Василий не имел прав на фамилию и титул отца.

     Псевдоним у Перова появился уже позже – его дал будущему художнику учитель грамоты  за аккуратное владение пером.

     Учился В. Перов живописи в художественной школе А.В. Ступина, в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. В последнем получил серебряную медаль за этюд головы мальчика.

      За свою жизнь Перов получил немало медалей и наград, как серебряных, так и золотых. Известными картинами, которые были оценены по достоинству и до сих пор являются визитной карточкой этого мастера, являются: «Охотники на привале», «Рыболов», «Птицелов», «Тройка» и многие другие. Облик многих выдающихся деятелей российской культуры – Ф.М. Достоевского, И.С. Тургенева, А.Н. Островского, В.И. Даля и других мы представляем именно благодаря портретам, написанным В.Г. Перовым.   В течение 1870–1877 гг. Перов был членом Товарищества передвижных художественных выставок.

     Живопись художника – это жизнь и быт обычных крестьян, купцов. Несмотря на то, что прошло много лет, многие его картины вызывают глубокие переживания и сочувствие к героям произведения, например, «Тройка», про которую можно написать отдельную книгу – историю про бедного мальчика. Перов запечатлел его в центре композиции, и через некоторое время мальчик умер. Его мать, у которой не осталось никакой памяти о сыне, кроме этой картины, практически каждый день ходила в Третьяковскую галерею, где висела «Тройка», и подолгу стояла у неё.

Последние годы жизни Перов  В. Г. посвятил созданию серии картин на  религиозные темы («Христос в Гефсиманском саду», «Снятие с креста») и темы из отечественной истории («Плач Ярославны», «Первые христиане в Киеве», «Суд Пугачева», «Никита Пустосвят»). Творчество художника повлияло на рождение новых художественных принципов и стало особой вехой в истории русского искусства. В своих картинах автор отразил драматические коллизии, которыми была переполнена социальная действительность.    Героями его жанровых полотен были в большинстве своем простые люди, униженные и оскорбленные, вечно голодные и оплакивающие своих умерших родственников.  За период своего творчества Перов  создал целый ряд замечательных работ, которые являются в настоящее время украшением Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, а также Художественного музея Беларуси.

     Перов не только великий художник, но и не менее великий педагог. Под его руководством в московском училище живописи и ваяния вырос не один десяток художников, составляющих гордость русского искусства.   

     Почти полвека прожил Великий Мастер. Чахотка, болезнь в то время неизлечимая, прервала творческий путь В.Г. Перова. 10 июня

Сообщение подготовила преподаватель: Руденко Н.Н.

«Тройка». Ученики-мастеровые везут воду. 1866 г..
Государственная Третьяковская галерея

Охотники на привале. 1871.
Государственная Третьяковская галерея

Ансамбль Моисеева

Подробности

Создано 16.04.2020 19:28

Обновлено 16.04.2020 19:28

Просмотров: 2430

Государственный академический ансамбль народного танца имени Игоря Моисеева

Государственный академический ансамбль народного танца имени Игоря Моисеева — первый и единственный в мире профессиональный хореографический коллектив, занимающийся художественной интерпретацией и пропагандой танцевального фольклора народов мира.

Ансамбль организован 10 февраля 1937 года, и с тех пор главными художественными принципами его развития являются преемственность и творческое взаимодействие традиций и новаторства. Главная задача, которую впервые поставил перед артистами основатель ансамбля Игорь Моисеев (1906-2007), — творческая обработка бытующих в то время в СССР образцов фольклора. С этой целью артисты ансамбля отправлялись в фольклорные экспедиции по стране, где отыскивали и фиксировали исчезающие танцы, песни, обряды. В результате появились первые программы ансамбля: «Танцы народов СССР» (1937-1938), «Танцы прибалтийских народов» (1939). В репертуаре ансамбля фольклорные образцы получили новую сценическую жизнь и сохранились для нескольких поколений зрителей всего мира. Для этой цели Игорем Моисеевым были использованы все средства сценической культуры: все виды и роды танцев, симфоническая музыка, драматургия, сценография, актерское мастерство.

Важным этапом стало освоение и творческая интерпретация европейского фольклора. Программа «Танцы славянских народов» (1945) создавалась в уникальных условиях: не имея возможности выехать за рубеж, Игорь Моисеев воссоздал живые образцы танцевального творчества, консультируясь с музыкантами, фольклористами, историками, музыковедами. На гастролях в 1946 году в Польше, Венгрии, Румынии, Чехословакии, Болгарии, Югославии зрители были изумлены точностью постановок, верным художественным смыслом сценических произведений ансамбля. С этого времени и до сих пор ансамбль является школой и творческой лабораторией для балетмейстеров разных стран, а его репертуар служит своеобразной хореографической энциклопедией танцевальной культуры народов мира. При непосредственном участии известных знатоков фольклора балетмейстеров Миклоша Рабаи (Венгрия), Любуше Гиньковой (Чехословакия), Ан Сон Хи (Корея), которых Игорь Моисеев привлекал к работе, создана программа «Мир и Дружба» (1953), где впервые собраны образцы европейского и азиатского танцевального фольклора одиннадцати стран.

По образцу ансамбля народного танца Игоря Моисеева были созданы хореографические коллективы во всех республиках СССР (ныне странах СНГ), а также во многих европейских странах.

Ансамбль народного танца – первый советский коллектив, который в период «железного занавеса» выпустили на гастроли. В 1955 году артисты ансамбля впервые выступили в Париже и Лондоне. Триумф советской танцевальной труппы послужил первым шагом к международной разрядке. В 1958 году ансамбль Игоря Моисеева также первым из отечественных коллективов выступил в США. Успешные гастроли, признавала американская пресса, растопили лед недоверия к СССР и стали основой налаживания новых, конструктивных отношений между нашими странами.

Еще одна важная заслуга Ансамбля народного танца — создание уникальной, единственной в мире моисеевской Школы танца (1943). Ее отличительные черты — высокий профессионализм, виртуозная техническая оснащенность, способность к передаче импровизационной природы народного исполнительства. Актеры-танцовщики, воспитанные Игорем Моисеевым, — широко образованные, универсальные артисты, свободно владеющие всеми видами танца, способные воплотить национальный характер в художественном образе. Танцовщик моисеевской школы — лучшая рекомендация в любой точке планеты, в хореографическом коллективе любого направления. Артисты ансамбля удостоены званий Заслуженных и Народных артистов СССР и России.

Ярким выражением творческих принципов воспитания актеров-танцовщиков является программа «Дорога к танцу» («Класс-концерт»), в которой наглядно показан творческий путь коллектива от освоения отдельных элементов до создания полномасштабных сценических полотен. За программу «Дорога к танцу» (1965) коллектив первым из ансамблей народного танца был удостоен звания «Академического», а Игорь Моисеев — Ленинской премии.

За свою концертную деятельность, которая продолжается более 70 лет, коллектив награжден орденом Дружбы народов. Ансамбль по праву был и остается визитной карточкой нашей страны за рубежом.

На разных континентах зрителям разных поколений полюбились «коронные» номера Ансамбля, ставшие «визитными карточками» коллектива: легендарные «Партизаны», флотская сюита «Яблочко», старинная городская Кадриль, молдавский Жок, украинский Гопак, русский танец «Лето», зажигательная Тарантелла. Большой успех Ансамблю снискали яркие одноактные спектакли, поставленные Игорем Моисеевым с привлечением средств и приемов мировой народной и театральной культуры, — «Веснянки», «Цам», «Санчакоу», «Половецкие пляски» на музыку А.Бородина, «На катке» на музыку И.Штрауса, «Ночь на Лысой горе» на музыку М.Мусоргского, «Испанская баллада» на музыку Пабло ди Луна, «Вечер в таверне» на музыку аргентинских композиторов и др.

И сейчас, после ухода из жизни бессменного руководителя ансамбля Игоря Моисеева, хореографический уровень коллектива по-прежнему служит непревзойденным эталоном, а звание «моисеевца» является синонимом высокого профессионализма.

Посмотреть концерты Государственного академического ансамбля народного танца имени Игоря Моисеева можно по ссылкам :

1.Юбилейный концерт ансамбля им.И.Моисеева 2018 год https://www.youtube.com/watch?v=0wetGBQaWF8

2.Одноактный балет «Ночь на Лысой горе» постановка И.Моисеева https://www.youtube.com/watch?v=6RlxZ56eWDg

3.Еврейская сюита «Семейные радости» https://www.youtube.com/watch?v=ZFfaMjoaGuM

4.Зимняя фантазия «Метелица» https://www.youtube.com/watch?v=l7lfeMG5NoU

5.Одноактный балет «Половецкие пляски»https://www.youtube.com/watch?v=0s2f24YjmHU

6.Сюита греческих танцев «Сиртаки» https://www.youtube.com/watch?v=T4chpyTIE5Q

7.Класс-концерт «Дорога к танцу» https://www.youtube.com/watch?v=frQDGRl31Rw

8. Арагонская хота. https://www.youtube.com/watch?v=7wibr3vMnYA

9.Русский танец «Лето» https://www.youtube.com/watch?v=MOzJDPRulvM

10. «Рок-н-ролл» https://www.youtube.com/watch?v=9xJfbDuyR2A

11. Гала-концерт ансамбля им.И.Моисеева 2012 года https://www.youtube.com/watch?v=4dCmfZID_SM

12. Одноактный балет «Вечер в таверне» https://www.youtube.com/watch?v=ebDPpU6Yb1I

Балетмейстер Малахов

Подробности

Создано 16.04.2020 19:29

Обновлено 27.10.2020 12:19

Просмотров: 2440

Балетмейстер - Владимир Малахов

Владимир Анатольевич Малахов родился в 1968 году, в г.Кривой Рог. В родном городе он начал приобщаться к балетному искусству, посещая студию при доме культуры, возглавляла которую Таисия Паршина-руководитель балетной студии. Впоследствии Малахов продолжил образование в Московском академическом хореографическом училище под руководством Петра Пестова и Наума Азарина. Училище он заканчивает в 1986 году.

Талант молодого исполнителя был очевиден – Юрий Григорович выражал желание взять его в балетную труппу Большого театра, но попасть туда не удается: препятствием стало… отсутствие московской прописки. Малахова принимают в иную труппу- «Московский классический балет», возглавляли который Н. Касаткина и В. Василёв. В этом коллективе он реализует себя в качестве солиста. Его репертуар достаточно разнообразен. В нем присутствовали классические партии-Базиль, Зигфрид, Меркуцио. Одной из лучших его ролей становится партия Альберта в «Жизели».

Отдавая дань классическому репертуару, танцовщик выступает и в новых постановках, целый ряд ролей представляя зрителям впервые: Ваятель в «Ликах любви», Адам в «Сотворении мира», -все эти балеты были поставлены Н. Касаткиной и В. Василёвым.

Владимир Малахов пришел в балет, когда это искусство в России переживало эпоху перемен, которые в первую очередь затронули мужской танец. В советскую эпоху в нем господствовал суровый, атлетический стиль, но в последние полтора десятилетия XX века эстетические идеалы меняются. В танце мужском появляются «кантиленность» и утонченность, воплощающие образы романтичные, юношеские - и это направление блестяще развивает В.Малахов. После победы в 1989 году О.Григорович предложил ему перевестись в Большой театр, но танцовщик заявил, что для него это «уже поздно».

За время работы в труппе В. Василёва и Н. Касаткиной танцовщик завоевал немало наград на всевозможных состязаниях международного уровня:1986 году в Болгарии -Гран-при, высшие награды в 1988 и 1989 в СССР, в тот же год Гран-при им. С. Лифаря в Париже, первая премия в американском городе Джексоне в 1990.

Несмотря на успехи на родине, в 1991 году Малахов, будучи в США на гастролях, эмигрировал за рубеж. По началу он сомневался примет ли его западная публика, но со временем убедился, что волнения были напрасны. Малахов сотрудничает с лучшими балетными труппами Европы и Америки- Штутгартским театром, Венской национальной оперой, Национальным балетом Канады, Американским балетным театром. Его хорошо принимает публика, критики отзываются положительно. Танцовщик убеждается, что на Западе любят классическое наследие, и старается сохранить русские балетные традиции.

В 2002 году Владимир Малахов становится солистом в Берлинской государственной опере и одновременно возглавляет в этом театре балетную труппу. Два года спустя, когда балетный коллектив этого театра объединился с труппой Немецкой оперы, он занял пост интенданта созданного при этом Государственного балета Берлина. Становление единого коллектива, сформированного из артистов Западного и Восточного Берлина, было делом непростым, и в его успешности была заслуга «танцующего директора». По признанию артиста, он ощущал себя в первую очередь танцовщиком, затем-директором, и наконец-хореографом.

Работая на Западе, Малахов удостоился множества премий: в Италии –«Gino Tani» в 1995 году и «Positano di Danza» в 1996, в США в 1997 году-«Первый танцовщик мира». В 1997 году Малахову была присуждена премия им.С.Дягилева, в 1998-«Benois de la dance».

Информация подготовлена

концертмейстером

Пономаревой К.С.

Балет "Жизель"

Ромео и Джульетта

Подробности

Создано 16.04.2020 19:31

Обновлено 10.11.2020 13:45

Просмотров: 2195

Сергей Сергеевич Прокофьев

Балет «Ромео и Джульетта»

Премьеру «нетанцевального» балета «Ромео и Джульетта» на музыку Сергея Прокофьева в СССР пять лет откладывали и запрещали. Впервые премьера состоялась на сцене Ленинградского театра оперы и балета имени Кирова (сегодня — Мариинский театр) в 1940 году. Сегодня балет-симфонию ставят на самых известных театральных сценах мира, а отдельные произведения из него звучат на концертах классической музыки.

Главные партии исполнил звездный балетный дуэт 1930–40-х годов — Галина Уланова и Константин Сергеев. Роль Джульетты в танцевальной карьере Улановой считается одной из лучших. Оформление спектакля соответствовало громкой премьере: декорации для него создал известный театральный художник Петр Вильямс. Балет переносил зрителя в изысканную эпоху Ренессанса со старинной мебелью, гобеленами, плотными дорогими драпировками. Постановка была удостоена Сталинской премии.

Трагическая история любви, написанная английским поэтом Уильямом Шекспиром в 16 веке, очень сильно затронула душу и сердце русского композитора С.Прокофьева. И он решил написать балет к одноименной истории «Ромео и Джульетта».

Сюжет спектакля разворачивается в средневековой Италии. Между двумя именитыми веронскими семьями Монтекки и Капулетти вот уже много лет длится вражда. Но перед истинной любовью нет никаких границ: двое юных созданий из враждующих семей влюбляются друг в друга. И ничто не может им помешать: ни смерть друга Ромео Меркуцио, павшего от руки двоюродного брата Джульетты Тибальда, ни последующая месть Ромео убийце друга, ни предстоящая свадьба Джульетты с Парисом. Пытаясь избежать ненавистного замужества, Джульетта обращается за помощью к патеру Лоренцо, и мудрый священник предлагает ей хитрый план: девушка выпьет снадобье и погрузится в глубокий сон, который окружающие примут за смерть. Знать правду будет только Ромео, он придет за ней в склеп и тайно увезет подальше от родного города. Но злой рок витает над этой парой: Ромео, услышав о смерти любимой и так и не узнав правды, выпивает яд возле ее гроба, а проснувшаяся от зелья Джульетта, увидев бездыханное тело возлюбленного, убивает себя его кинжалом.

В этой истории не только любовь была трагичной, Прокофьев на себе почувствовал всю боль этих людей. Создавая свой балет, он решил написать счастливый конец, который резко отличался бы от финала знаменитой шекспировской трагедии. Но, видимо, даже в его балете их история должна была закончиться трагедией и смертью юных героев.. В театре надсмехались над С.Прокофьевым, даже ходила крылатая фраза про этот балет- Нет музыки печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете. Эта редакция балета так и не дошла до постановки. И композитору пришлось изменить музыкальный материал и окончание балета.

Интересная версия была показана в июле 2008 года. В отличие от других, этот балет был исполнен в своей первоначальной редакции, датируемой 1935 годом. Спектакль представили на фестивале Колледжа Бард в Нью-Йорке. Хореограф Марк Моррис вернул полностью состав, структуру и самое главное, счастливый финал партитуры. После успешной премьеры, эта версия была поставлена в крупнейших городах Европы.

Информация подготовлена

преподавателем и концертмейстером

Копаевой Е.Г.