О.Кипренский

Подробности

Создано 11.03.2022 21:15

Обновлено 11.03.2022 21:16

Просмотров: 5780

     В марте 2022 года исполнилось 240 лет со дня рождения Ореста Адамовича Кипренского, русского художника, графика и живописца, мастера портрета,.

     Орест Кипренский, внебрачный сын помещика А. С. Дьяконова, но по документам был записан в семью крепостного Адама Карловича и Анны Гавриловны Швальбе. Еще в детстве выказал большую охоту к рисованию, что побудило помещика отпустить его на волю, он  получил вольную в 1788 году, был зачислен в Воспитательное училище при Петербургской Академии художеств под фамилией Кипренский.. Его учителями были Г. Угрюмов и Д. Левицкий. Награждался медалями за успешные работы: малая серебряная (1800), большая серебряная (1801); две малые золотые медали (1802): одну — за программу «Юпитер и Меркурий» и вторую — за эскиз памятника покойному профессору скульптуры Козловскому. Получил большую золотую медаль по задаче: «Представить Великого Князя Дмитрия Донского, когда он одержал победу над Мамаем (1805).

     Получил в Академии аттестат 1-й степени и шпагу (1803) и был оставлен при Академии в качестве пансионера.

     Получил звание академика за портреты: Его Императорского Высочества принца Голстейн-Ольденбургского; Лейб-гусарского полковника Давыдова; Шталмейстера князя Гагарина; Портрет А. И. Кусова. Назначен советником Императорской Академии художеств. Жил в Москве (1809—1811), Твери во дворце принцессы Анны Павловны, дочери Павла I (1811—1812), Петербурге (до 1809, 1812—1816, 1823—1828), а в 1816—1822 годах и с 1828 года по 1836 год— в Риме и Неаполе. Путешествовал по Швейцарии (1816), Франции и Германии (1822—1823). Приехав в Италию, брал в Болонье  уроки перспективы у Анжело Тозелли.

В июле 1836 года, за три месяца до своей смерти, Кипренский женится на Анне-Марии Фалькуччи, музе художника в течение почти 20 лет, для чего ему предварительно пришлось принять католичество. Её детский портрет написан художником в 1819 году под названием «Девочка в маковом венке с гвоздикой в руке». Дочь художника Клотильда родилась уже после его смерти.

Художник скончался в Риме 17 октября 1836 года от воспаления лёгких и был погребён в церкви Сант Анреа Делле Фратте в Риме. Над надгробием стоит стела с надписью: «В честь и в память Ореста Кипренского, самого знаменитого среди русских художников, профессора Императорской Петербургской академии художеств и члена Неаполитанской академии, поставили на свои средства русские художники, архитекторы и скульпторы, сколько их было в Риме, оплакивая безвременно угасший светоч своего народа и столь добродетельную душу…»

     Памятник знаменитому художнику на его родине в деревне Нежново установлен 24 марта 2017 года. Его авторы — члены Союза художников, выпускники Академии художеств имени И. Е. Репина Дмитрий Щербаков и Сергей Сергеев^.

     О. Кипренский — первый по времени выдающийся русский портретист XIX века. Его кисти принадлежит «Портрет А. К. Швальбе» (1804), которым он дебютировал как портретист. В Италии работу приняли за творение Рембрандта. В 1809 году Кипренский создаёт «Портрет Е. В. Давыдова».

     Наиболее известные произведения — портрет мальчика А. А. Челищева (1810—1811), портреты супругов Ростопчиных (1809) и Хвостовых (1814), хранящиеся в Третьяковской галерее, а также автопортрет (1808), изображения поэтов К. Н. Батюшкова (1815) в коллекции музея Института русской литературы Российской академии наук (Санкт-Петербург), В. А. Жуковского (1816).

     В 1827 году О. А. Кипренским по заказу А. А. Дельвига был выполнен портрет А. С. Пушкина (весной того же года Пушкин стал моделью В. Тропинина). Кипренский решил всю прелесть пушкинской поэзии вложить в его глаза и пальцы. Глазам художник сообщил почти недоступную человеку чистоту, блеск и спокойствие, а пальцам поэта придал нервическую тонкость и силу.

     Герои Кипренского не вымышленные, а живые реальные люди- его современники. И самым важным предметом исследования и воплощения для художника становится душа человека, его подвижный переменчивый внутренний мир.

Э Мане

Подробности

Создано 11.03.2022 21:06

Обновлено 11.03.2022 21:06

Просмотров: 6124

КАЛЕНДАРЬ ЗНАМЕНАТЕЛЬНЫХ ДАТ

ЭДУАРД МАНЕ

1832-1883 гг.

     23 января исполнилось 190 лет со дня рождения Эдуарда Мане, французского живописца и графика, своим искусством предвосхитившего возникновение импрессионизма и ставшего одним из его основоположников.

     Родился в семье богатого буржуа. Его отец был главой департамента министерства юстиции и готовил сына к карьере юриста. Он был ярым противником художественного образования для сына. И молодому художнику приходится постоянно бороться с требованиями влиятельного отца, что вынуждает его покинуть дом.

     Изучение живописи в академическом стиле и манере романтизма (модной в то время), не притягивает Эдуарда. Он постоянно изучает работы и творчество художников прошлого, посещает множество музеев и много путешествует (Италия, Венеция, Флоренция, Голландия, Дрезден, Прага, Вена). Одним из художников, оказавших наибольшее влияние на Мане, становится Веласкес.

     Накопленные знания и видение он воплощает в своих работах. Эдуард настойчиво стремится к признанию в Париже, но его ранние работы отвергаются критиками. Отвержение работ, претендентов на участие в Парижском салоне, вынудило Мане провести выставку получившую название «Салон отверженных». Художник возлагал большие надежды на признание своей картины «Завтрак на траве», но она была раскритикована и вызвала смех у посетителей салона. Но картина вызвала самое большое внимание и стала символом "Салона отверженных" 1863 года. Мане добивается известности, хотя и скандальной.

     Новаторская живопись Мане подвергалась яростным нападкам критики, считавшей художника бунтарём в искусстве. Используя и переосмысливая сюжеты и мотивы живописи старых мастеров, Мане стремился наполнить их острым современным звучанием, полемически внося в известные классические композиции современного человека.

     В конце 1860-х гг. Мане сблизился с Э. Дега, К. Моне, О. Ренуаром и перешёл к пленэрной живописи; глухие и плотные тона с преобладанием тёмных цветов сменилось более светлой и свободной живописью ("В лодке", 1874 г.). Основная тема произведений Мане - сцены парижской жизни ("Нана", 1877 г.; "В кабачке папаши Латюиль", 1879 г.). В самом значительном и глубоком его произведении Бар ''Фоли-Бержер'' (1881-1882 гг.) показана иллюзорность и призрачность счастья среди сверкающего, праздничного веселья.                        

Мане обращался к самым разнообразным темам, писал портреты, натюрморты и пейзажи, выступал как рисовальщик, мастер литографии и офорта. Творчество Мане вдохнуло новую жизнь во французское искусство 19 века и во многом определило основные пути дальнейших художественных исканий в живописи.

С 1881 он болен атаксией — нарушением координации движений. Дальнейшая жизнь художника связана с постоянным развитием болезни. В 1883 он умер. На протяжении всей своей жизни мастер оставался верен программе «жить своим временем и изображать то, что видишь перед собой». Его творчество оказало мощное воздействие на становление современного искусства и положило начало развитию нового художественного течения, вошедшего в историю под названием «Импрессионизм»

     Эдуард Мане оставив около двухсот картин, акварели и пастели, более 20 офортов, несколько литографий и рисунков. Его произведения всегда откроют непредвзятому зрителю прекрасный поэтичный мир, исполненный сознательно гуманного отношения к людям.

Константин Коровин

Подробности

Создано 24.12.2021 19:57

Обновлено 24.12.2021 19:57

Просмотров: 6638

КАЛЕНДАРЬ ЗНАМЕНАТЕЛЬНЫХ ДАТ

Константин Александрович Коровин

1861-1939 гг.

     5 декабря 2021 года исполнилось 160 лет со дня рождения Константина Алексеевича Коровина, - великого русского художника, удивительного мастера колорита, новатора в области сценографии и театральной живописи. Нет жанра, за который бы он ни брался и в котором ни оставил ярких талантливых произведений. В конце жизни в эмиграции Коровин прославился и как писатель. Обаятельный весельчак, хлебосольный и гостеприимный хозяин, удивительный рассказчик, душа общества, широкая натура, остроумный анекдотист — так отзывались о нём современники.

     Константин Коровин родился в 1861 году в Москве в доме своего деда Михаила Коровина — купца первой гильдии, владельца ямского извоза. Отец будущего художника получил университетское образование, однако не унаследовал деловых качеств, главы семейства и после смерти Михаила Коровина разорился. Семье пришлось переехать в подмосковную деревню Большие Мытищи. В деревне мальчику нравилось, там он впервые стал замечать красоту природы.

     Воспитанием детей в семье занималась мать. Она много рисовала акварелью и играла на арфе. Коровин вспоминал: «Я любил смотреть, когда у матери моей на столе лежали коробочки с разными красками. Такие хорошенькие коробочки и печатные краски, разноцветные. И она, разводя их на тарелке, кистью рисовала в альбом такие хорошенькие картинки — зиму, море, — такие, что я улетал куда-то в райские края. Отец мой тоже рисовал карандашом. Очень хорошо, говорили все — и Каменев, и Прянишников. Но мне больше нравилось, как рисовала мать».

   В возрасте 14 лет Константин Коровин поступил на архитектурное отделение в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Однако вскоре он перевелся на живописное отделение — в пейзажный класс Алексея Саврасова. У знаменитого мастера пейзажа Коровин учился передавать через краски природы ощущение жизни. Позже молодой художник говорил, что пейзаж нельзя писать только за то, что он красив: «в нем должна быть история человеческой души». В творческих кругах отмечали связь работ Константина Коровина и Алексея Саврасова, особенно она была заметна в пейзажах Коровина 1870-х годов «Ранняя весна» и «Последний снег». Живописец и искусствовед Игорь Грабарь в 1909 году писал: «Коровин — автор первой Весны, появившейся после саврасовских грачей. Все то невероятное количество последних снегов, мартов и ранних весен, которыми так богата русская живопись последних пятнадцати лет, ведет свое начало, несомненно, от Коровина». Из-за тяжелой болезни Алексей Саврасов оставил училище. После его ухода Коровин поступил в петербургскую Академию художеств, но не проучился там и месяца: молодого художника угнетали «условность и серьезничанье по поводу несерьезного». Он вернулся в училище и попал в мастерскую Василия Поленова, который возглавил пейзажный класс.

     Поленов познакомил учеников с искусством импрессионистов. В 1883 году Коровин, увлекшись новым художественным течением, написал «Портрет хористки», который впоследствии называли «первой ласточкой русского импрессионизма». Консервативные преподаватели училища не могли простить Коровину следование живописным новшествам — после окончания Школы он так и не получил звания классного художника.

     Благодаря Поленову Коровин познакомился с меценатом Саввой Мамонтовым, в 1884 году художник вошел в его Абрамцевский кружок. Здесь он попробовал себя как театральный декоратор: оформил домашний спектакль «Снегурочка» по пьесе Александра Островского, работал над декорациями для опер «Аида», «Лакме», «Кармен».

     В 1892 году Коровин уехал во Францию, где провел почти год: изучал современное французское искусство. Вернувшись в Россию, он вместе с Валентином Серовым отправился в путешествие на Север. Художники побывали в Мурманске, Архангельске, на побережьях Северной Двины и на Новой земле, заезжали в Швецию и Норвегию. Заполярье очаровало Коровина. Он говорил: «Какой чудесный край, Север Дикий! И ни капли злобы здесь нет от людей…» Под впечатлением от поездки художник создал свои знаменитые «северные» работы: «Архангельский порт на Двине», «Мурманский берег», «Зима в Лапландии», «Пристань на Севере», «Ручей св. Трифона в Печенге» и другие.

     В 1896 году Константин Коровин получил от Мамонтова заказ спроектировать и оформить павильон «Крайний Север» для Всероссийской выставки в Нижнем Новгороде. Эскизы Коровина одобрил Василий Поленов: «Северный павильон с Константиновыми фресками чуть ли не самый живой и талантливый на выставке». Для Всемирной выставки в Париже в 1900 году Коровин оформил Кустарный отдел Русского павильона: с помощью живописца Николая Клодта он создал 30 панно с изображениями Сибири, Средней Азии и Крайнего Севера.

     В начале XX века художник создавал декорации к операм, балетам и драматическим спектаклям, делал эскизы костюмов. Коровин оформлял постановки Мариинского театра в Петербурге, Большого театра в Москве и театра Ла Скала в Милане.

     Отдельное место в творчестве Константина Коровина занимал Париж. Художник создал множество пейзажей французской столицы, среди них — «Париж. Бульвар Капуцинок», «Париж. Утро», «Ночная улица. Париж» и другие. Коровин имел большой успех во Франции: он стал кавалером Почетного легиона и за свои работы получил несколько золотых и серебряных медалей.

     В 1910-е годы Коровин увлекся натюрмортом — и в этом жанре он был верен импрессионизму. В работе «Розы и фиалки» художник запечатлел цветы у окна, за которым виднеется ночной Париж. Контуры предметов на полотне размыты, импрессионист создал изображение из дробных мазков разной формы — пятен, росчерков, зигзагов.

     В годы Первой мировой войны Константин Коровин болел. Он уехал лечиться в Севастополь. Мастер считал, что даже в тяжелые годы он должен продолжать прославлять красоту. На его пейзаже «Севастополь зимой» о войне напоминает только боевой корабль. В 1916 году Коровин писал: «Я думаю, что после войны искусство очень поднимется и очень будет нужно человеку как символ лучших чувств жизни и радости».

     Однако революция нарушила душевное равновесие русского импрессиониста. Его избрали в Комиссию художников при Комиссаре над бывшим Министерством Императорского двора, он стал членом коллегии художников театра, вошел в состав Отдела пластических искусств и получил еще несколько должностей. Но все это Коровина тяготило. В одном из писем он писал: «Боже, как надоела политика!». Как только появлялась возможность, художник уезжал из Москвы — сперва в ярославскую деревню Охотино, затем на берег тверского озера Удомля, где когда-то работал Исаак Левитан. Вдали от столицы Константин Коровин писал вечерние интерьеры.

К 60-летию со дня рождения Коровина, в 1921 году, Главный политико-просветительский комитет устроил выставку его работ. На следующий год в Третьяковской галерее открылась ретроспективная экспозиция полотен художника. Однако с каждым годом Коровину становилось труднее жить в России.

     В конце 1922 года художник получил разрешение, чтобы уехать за границу — для лечения и проведения персональной выставки. Однако в СССР он не вернулся. Сначала мешали материальные проблемы, потом тяжело заболела жена Коровина. Последние 16 лет жизни художник провел в Париже. Здесь в моду вошли новые направления живописи, и работы художника-импрессиониста продавались плохо, их покупали в основном старые знакомые. Коровин зарабатывал тем, что публиковал свои воспоминания в русской эмигрантской прессе. К 70 годам художник практически полностью потерял зрение. Он диктовал свои мемуары, а потом и рассказы. Коровин оказался настоящим мастером слова, о его рассказах знакомые художника отзывались с восторженным удивлением. Федор Шаляпин говорил: «Знаешь, Константин, я удивляюсь, как ты это пишешь. Черт тебя знает, кто ты такой? Откуда это взялось?»

     В 1939 году, через 10 дней после начала Второй мировой войны, Константин Коровин умер от сердечного приступа. Похоронили художника во Франции на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа.

 Преподаватель Руденко Н.Н.

Винченцо Беллини

Подробности

Создано 26.10.2021 19:27

Обновлено 26.10.2021 19:32

Просмотров: 7646

Винченцо Беллини

(03.11.1801 – 23.09.1835)

…Он богат чувством печали,

чувством индивидуальным,

ему одному присущим!

Дж. Верди

«Лебедь Катании» и «Мастер меланхолии» — такие имена получил Винченцо Беллини в богемных кругах. Причиной тому послужили длинные, плавные музыкальные фразы, ставшие оригинальной визитной карточкой оперных шедевров итальянского композитора. Джузеппе Верди считал его новатором и реформатором в музыке, сокурсник и преданный товарищ Франческо Флоримо подчёркивал благородные черты лица и умение держаться с неподражаемым достоинством даже при знакомстве с важными персонами, Вагнер восхищался способностью гармонично связывать либретто, мелодию и психологию образа в одной партитуре. Прожив яркую и стремительную жизнь, Винченцо Беллини «отозвался» в душе каждого своего современника, имеющего отношение к искусству.

Винченцо родился в портовом итальянском городке на острове Сицилия. Его отец зарабатывал на жизнь игрой на органе на религиозных службах и преподаванием для детей аристократов.

Происхождение обеспечило мальчику возможность обучаться музыке с детства. Однако, чтобы получить более серьёзное образование, требовались деньги.

Герцог провинции Катания Стефано Нотабартоло и его супруга порекомендовали Винченцо обратиться с прошением Городской Совет. Просьба молодого человека была удовлетворена: ему назначили стипендию. Деньги, которые новоявленный студент получал в течение 4 лет, позволили ему переехать в Неаполь и поступить в консерваторию.

Художественный руководитель Антонио Зингарелли, в силу развитой интуиции и профессионального чутья, быстро распознал в студенте огромный творческий потенциал и проникся к Винченцо отеческими чувствами. Именно Зингарелли поведал своему протеже секрет композиторского мастерства: «Если Вы научитесь слышать мелодии, которые идут от сердца, и записывать их в максимально упрощенной форме, успех придёт. Вы станете композитором. Если не овладеете этим умением, всегда есть возможность стать приличным органистом в сельской глубинке». Последующее творчество Беллини раннего и позднего периода наглядно показывает: эти слова способный ученик усвоил и не забывал никогда.

В 24 года Винченцо представил первое творение в оперном жанре. Премьера «Адельсон и Сальвини» состоялась на сцене зала родной консерватории.

После триумфального дебюта Беллини начал получать постоянные заказы. Карьера стремительно стала развиваться, давая общественности повод для обсуждения нового феноменального таланта в области оперного искусства. С восторгом публика восприняла творение «Бьянка и Джернандо». Оперу, повествующую о придворной борьбе за власть, интригах и любви вопреки предрассудкам, включил в репертуар театр «Сан-Карло» в Неаполе.

Через год на право поставить на сцене новый оперный спектакль Беллини претендовал именитый театр в Милане «Ла-Скала». Для легендарной труппы автор к 1827 году написал оперу по тексту романтической трагедии Ч. Мэтьюрина «Пират». В 1829 году успех закрепила «Чужестранка». На этом головокружительный карьерный взлёт завершился.

Имя Винченцо Беллини было на слуху, но со временем отношение к маэстро поменялось. Критики заточили перья и принялись усердно искать недостатки, сравнивать произведения с манерой сочинения других композиторов, заручившихся немалой популярностью. Новое творение «Заира» получило крайне негативные отзывы и оценки. Пытаясь реабилитироваться, Беллини предоставляет на суд слушателей «Сомнамбулу», но и здесь не получает удовлетворительных и приободряющих мнений. Вынужденный творческий кризис композитор решает пережить на новом месте. Он переезжает в Париж, чтобы заново переосмыслить суть и потребности личного самовыражения.

Временный отдых и успокоение среди парижских пейзажей помогли вернуть маэстро авангардные позиции в творческих кругах. «Норма» и «Пуритане» — произведения, ознаменовавшие возвращение композитора к истокам успеха.

В 1835 году Беллини скоропостижно скончался от острого кишечного заболевания, спровоцировавшего гнойное воспаление в тканях печени.

Его жизненный путь оборвался в сравнительно молодом возрасте, но в прожитых днях нашлось место и поражениям, и фееричному триумфу. Музыка Винченцо Беллини обрела своих благодарных слушателей ещё при жизни автора. Оперные постановки проводились на сценах Неаполя, Милана и Парижа. Талантливый композитор получил завидную долю известности и признания, чем обеспечил себе бессмертие вопреки физическим законам.

Преобладающим настроением в музыке Винченцо Беллини является некая меланхолия, светлая печаль. Композитор творил в жанре оперы бельканто и довёл составляющие до предельного, эталонного совершенства. Мелодии в произведениях часто оказываются плавными, тягучими, исполненными на глубоком legato. При этом партии для голоса отличаются чрезвычайной выразительностью, которая в некоторых моментах может восприниматься как проявление пафоса, что в бельканто не отрицается и даже приветствуется.

Музыка, написанная Беллини, оказала огромное влияние на творчество многих известных композиторов, среди которых — польский пианист и композитор Фредерик Шопен. Эти две незаурядные личности роднит стремление к простоте и доступности музыкального содержания. В течение всего процесса созидания Беллини намерено противопоставлял своё мастерство манере создания и исполнения музыкальных произведений своих современников. Он отказывался от изысканных сложных приёмов, излишней витиеватости, сложности в пользу лёгкости и приближенности к этническим мотивам.

Согласно биографии Беллини, в 1831 году маэстро поддался пожеланиям острых на язык ценителей искусства и создал оперу, которая резко выделяется на фоне предшествующих произведений. «Норма» — своеобразный жест, который продемонстрировал умение композитора создавать сложный аккомпанемент и развёрнутые партии для исполнителей. Опера, где солировала непревзойдённая испанская дива Мария Малибран, имела ошеломительный успех и восхитила критиканское сообщество. К моменту завершения написания шедевра Беллини едва перешагнул порог 30-летия. Даже наблюдая за очевидным успехом своего творения среди богемы, итальянец вряд ли смел предположить, что «Норма» станет одним из лучших оперных произведений всех времён и даже в XXI столетии сохранит актуальность. Каватина «Casta Diva» из «Нормы» и сейчас является серьёзным испытанием в вокальном плане даже для ведущих звёзд мировой оперной сцены. Партия написана для сопрано и по уровню сложности практически не имеет аналогов.

Красноречивым эпилогом творческого пути стала опера «Пуритане».

Лишь одна из 11 опер не получила восторженных отзывов. Это «Заира». Причиной тому могла служить спешка, с которой работал Беллини, занимаясь сочинительством на заказ. По другой версии, либретто на литературной основе В. Скотта в готовом варианте не зазвучало гармонично на фоне представленной музыки.

Пути гениальности никогда не оказываются простыми и предсказуемыми; у некоторых — талант проявляется в зрелом возрасте, у других — выражается с ранних лет. Винченцо Беллини прожил короткую жизнь, но она с самого детства пестрила событиями, не характеризующимися ординарностью, и была наполнена музыкой.

Ссылки:

Каватина Нормы из оперы «Норма»

https://www.youtube.com/watch?v=B-9IvuEkreI

Ария Амины из оперы «Сомнамбула» https://www.youtube.com/watch?v=tJn1lIPw49M

Ария Эльвиры из оперы «Пуритане» https://www.youtube.com/watch?v=IS0hAY6X11Q

Пабло Пикассо

Подробности

Создано 22.10.2021 16:45

Обновлено 22.10.2021 16:45

Просмотров: 6871

Календарь знаменательных дат

Пабло Пикассо

1881-1973 гг.

   25 октября 2021 года исполнилось 140 лет со дня рождения Пабло Пикассо.

     Испанский и французский художник, скульптор, керамик, график, дизайнер, театральный художник.

Он прожил долгую жизнь_ 91 год и стал основоположником модернистского направления в изобразительном искусстве, которое позже стали называть «Кубизмом».

     Родился Пикассо на юге Испании, его отец был художником и стал первым учителем Пабло. В 8 лет он написал свою первую серьезную работу «Пикадор». Он учился в «Школе искусств», а затем в Академии живописи, но везде ему было тесно: ученик явно превосходил своих учителей. Все творчество Пикассо принято делить на периоды. Ранний период творчества принято называть «Голубой период». Работы этого периода, связаны с грустным событием в его жизни, гибелью его друга, Карлоса Каагемаса. Картины выполнены в холодных сине-зеленых тонах и от них веет грустью и меланхолией.

     Позже, он переезжает в Париж, поселяется в общежитие для бедных художников и переезд дает новые впечатления. В творчестве начинается «Розовый период». В кругу общения акробаты и бродячие цирковые артисты. Эти знакомства повлияли на тематику картин Пикассо. Стиль художника изменяется с необычайной легкостью. И после розового периода, наступает «Африканский стиль». Это связано с посещением художником выставки африканского этнического искусства. Он начинает изображать фигуры, словно вытесанные из дерева неуклюжие идолы. Наиболее яркая работа этого периода «Авиньонские девицы». Картина вызвала шок и бурю негодования у зрителей, зато Пикассо окончательно определился в каком направлении ему двигаться в своем творчестве. Он отказывается от трехмерного изображения фигур, в пользу двухмерного, показывая объект одновременно с разных сторон. Так, он создал знаменитый стиль «Кубизм».

В начале XX века ярким событием в мире искусства становятся гастрольные выступления артистов «Русских императорских театров, которые организовал С.П. Дягилев. Эти гастроли назвали «Русские сезоны». Пабло      Пикассо участвовал в постановке русского балета. Он выступал в роли автора декораций и костюмов артистов. В результате, получился авангардный спектакль «Парад», который стал самым скандальным спектаклем начало ХХ века.. В этот период, он отдаляется от «Кубизма» и начинает создавать работы в классической манере. После «Классического периода», наступает период «Сюрреализм», что связано с некоторыми проблемами в семейной жизни. После этого периода, наступит «Военный период», что отражает его отношение к «Гражданской войне в Испании и к фашизму. Самая яркая работа этого периода «Герника». Все работы этого периода выражают протест против насилия. Затем наступает «Послевоенный период», для которого характерна лирика и нежность. Пабло Пикассо творил до самой смерти. Одной из последних его работ был «Автопортрет». Его еще называют «лицом к смерти». За угловатыми чертами лица, легко разглядеть ранимую душу.

     Такова история грандиозного, неординарного и несомненно величайшего живописца XX века, оказавшего влияние на развитие искусства своего века. Сам Пабло Пикассо говорил о себе, что у него нет стиля, стиль сковывает и не дает возможность развиваться. Он же был гением, чей талант не имел рамок и границ.

Бирюльки 2021 - результаты ИЗО, ДПИ

Подробности

Создано 08.10.2021 11:49

Обновлено 11.10.2021 08:30

Просмотров: 6514

Результаты интернет-голосования и решение профессионального жюри

в номинации "Изобразительное искусство"

Поздравляем участников фестиваля!